SELECCIONATS PAM!24

No mind, no greed, no suffering No thought, no hurt, no hands to reach, Alejandro Vázquez.

“No mind, no greed, no suffering No thought, no hurt, no hands to reach...” Així Michael  Gira dibuixa com seria fer una captura de pantalla de la nostra vida, poder suspendre's en el temps per un moment, desdibuixar la continuïtat del món per a viure lliure de pulsions.

Les plataformes que segueixen el model TikTok ofereixen una versió de "malson" d'aquesta "captura de pantalla" , en el moment en el qual estàs enfront del seu scroll de contingut la teua existència s'anul·la per a viure en un present continu.

Aquest present continu es construeix en la forma d'una conversa entre nosaltres, els usuaris I l'algorisme. Una conversa en la qual, a través de les nostres cognicions més bàsiques, l'algorisme mecanitza els nostres desitjos per a fer retrats dels seus usuaris en forma d'interessos per a anuncis.

La conversa usuari-algorisme es construeix de forma tan senzilla que, mitjançant dispositius de mediació, podríem fer que ens biòtics no humans feren el paper d'usuari en aquesta. Aquest és l'exercici de simetria que pretén fer aquesta peça, establir un sistema que medie entre una planta i l'algorisme.

Dicho y hecho, LAUPE.

"Del dicho al hecho hay un trecho: la distancia de la metáfora". Aquesta instal·lació busca fer del llenguatge una dimensió lúdica. És una invitació a parar-se a pensar en les expressions que utilitzem diàriament en el nostre llenguatge i el com poden tindre altres lectures.

La nostra intenció és convertir una sèrie de dites metafòriques en accions literals amb la finalitat que qualsevol transeünt tinga la possibilitat d'intervindre. Es tracta, per tant, d'una peça en la qual el públic no és un mer espectador, sinó que pot entrar a formar part com a jugador. Es crearà així un espai d'oci on qualsevol puga interaccionar.

La instal·lació també presentarà un manual d'instruccions perquè es puga comprendre l'acció que s'ha d'executar. De totes maneres, també existeix la possibilitat que cada individu puga "eixir-se de les seues caselles"; i interpretar la peça a la seua manera.

Seran presents, entre altres, les expressions caure en el compte, asseure cap, trencar les regles, menjar-se el món, donar la volta a la poma, etc.

El Camino, Miguel Tinoco Domínguez.

La sèrie de pintures que conformen aquest projecte il·lustra moments i sensacions relacionades amb la vida rural, tractant la naturalesa i la infància des d'un punt de vista poètic, utilitzant la nostàlgia com a motor.

Buscar cucs en bellotes, trobar la pedra més plana per a fer-la saltar en l'aigua o trobar-se una lliure als teus peus, són imatges a les quals recórrec sovint i més encara assumint la distància.

Aquest projecte pretén retornar-li al camp el que alguna vegada em va donar.

Segurament, a la ciutat es perd molt el temps -pensava el Mussol- i, al cap i a l'últim, hi haurà qui, al cap de catorze anys d'estudi, no encerte a distingir un *rendajo d'una cadernera o una *boñiga d'un *cagajón.

El Camí - Miguel *Delibes

Línea y plano sin el punto, Estefanía Serrano Soriano.

Línea y plano sin el punto és un projecte de caràcter teoricopràctic que sorgeix de la reflexió entre l'obra artística pròpia i la seua relació amb alguns dels diferents moviments artístics que han abordat la geometria com són el Suprematisme i el Neoplasticisme. Aquesta investigació parteix del plantejament de Wassily Kandinsky entorn del concepte de la línia, amb especial èmfasi en la relació que s'estableix amb el pla i la desaparició del punt.

Les composicions pictòriques, emmarcades per la cerca de la proporció áurea, es converteixen en experiments visuals que busquen entendre la complexitat de la interacció entre línia i pla, guiades per principis naturals presents en la proporció àuria. L'elecció de materials naturals, com la fusta o el paper, en les obres, pretén amplificar la connexió amb la naturalesa. Aquest projecte es presenta com una exploració tècnica i estètica que busca reinterpretar els elements fonamentals de la geometria, contribuint al diàleg contemporani de l'art.

Recursive Metrica (instalación), Nicolás Gay Ramón.

Quan els usuaris interactuen amb sistemes de generació d'imatges i seleccionen o afavoreixen uns certs trets inherents al mitjà, estan influint en la retroalimentació del sistema. No obstant això, les imatges amb aquests trets afavorits solen contindre també trets indesitjats que, tal vegada per la seua subtilesa o pel seu caràcter contextual, són també considerats com a acceptables.

Si analitzem aquest fenomen a una escala global, tant el consum d'aquestes noves figures així com la seua realimentació en els sistemes de generació ens condueixen a una deriva en la representació de les formes que planteja noves qüestions.

La crisi de la representació, en aquest context, sorgeix de la dificultad de discernir la frontera entre el significatiu i el no significatiu en el vast paisatge visual generat per aquests nous sistemes intel·ligents. Aquesta nova figura imaginal, es construeix ara a partir de trets buits i descontextualitzats, que encara que evoquen experiències d'imatges anteriors, manquen d'una forma definida i no aconsegueixen capturar cap essència tangible.

Aquestes imatges sense "cos" es presenten així en una aproximació als límits en la deformació dels trets visuals, creant un nou espai en el qual la recursió es converteix en la principal forma de deriva.

Hidráulica - Telúrica, Azul Macas Moreno.

La següent proposta consta de diverses peces de ceràmica i metall que s'activen a través de la interacció entre l'aigua i l'aire, generant o amplificant els sons presents en l'espai. Aquests artefactes sorgeixen des de l'interés per la cosmovisió andina, especialment entorn de la dimensió mitològica del subterrani (en quítxua Uku Pacha) , la qual cosa en termes occidentals podria traduir-se com a inframon. Partint de la visió no antropocèntrica del pensament andí es pretén explorar diferents experiències perceptives entorn d'allò que es troba més enllà de l'humà. En aquest sentit, es busca generar un espai d'escolta a través d'instruments el caràcter sonor dels quals ve dau pel diàleg entre les forces de l'aigua, l'aire i la terra.

Contemplaré des d'ací (d'ara endavant) de moment, Meritxell Simó Redón

A partir del record d'una pràctica comuna en els ambients culturals valencians – saltar fonts pirotècniques o fogueres en un entorn de joc – es planteja una relació amb aquesta acció i una actitud concreta enfront de la sensació pròpia de ser travessades per uns certs límits. Sent que els considerem exigents amb la nostra pròpia pràctica artística, intel·lectual o diària.

A manera de narració o acte dramàtic, es proposa a través de la vídeo acció projectada, així com de la instal·lació d'uns certs elements fonamentals en l'espai arquitectònic, una actitud enfront d'això que comença violenta i que es torna reflexiva, per a finalment definir-se indefinida. És a dir, una actitud ambigua, que lluny de no posicionar-se, planteja el dubte com a mètode crític.

Yima - Un vaso con agua, Mar.

Correspon a una equació senzilla en la qual un relat "Yima", dona de 67 anys, treballadora sexual en la seua maduresa primerenca, decideix parlar per primera vegada sobre la seua història. La seua narració ha perdut nitidesa pel fet que les pressions, producte de l'estigma, al llarg de la seua vida, mai ha sentit la confiança per a comptar les seues memòries. Jo, la seua neta, he tingut el plaer de ser qui rep aquestes paraules.

Se suma a un gest: Alleujar o donar espai al descans. L'aigua, or líquid, és el mínim que el teu cos et demana quan es troba cansat. Vaig sostindre amb la meua àvia les nostres converses anecdòtiques sobre el seu passat com a treballadora sexual, però limitades al que ella tardava a acabar-se un got amb aigua. L'última gota, corresponia al comiat. Censure amb roig les seues paraules, però deixe al descobert frases que considere són suficients per a entendre al relat de "Yima".

Sota aquestes premisses, construïsc un espai de repòs per a la paraula de "Yima" i de totes aquelles treballadores sexuals silenciades, per l'estigma, que se senten identificades amb les seues paraules.

BiteByte, KANNO x Ferran Buj.

Idees com l'hiperconsum i l'excés en el volum de quantitats, ja siga de menjar (Bite) o de dades (Byte) , s'entrellacen en aquesta proposta per a explorar les visualitats monstruoses, abjectes i distorsionades que sorgeixen de la interacció entre la intel·ligència artificial i el mukbang.

El mukbang és una tendència d'entreteniment en línia que consisteix a veure a persones consumint grans quantitats de menjar, ja siga interactuant amb el públic o en silenci. La mediatització d'un esdeveniment tan intrínsecament humà com és el menjar, ens transporta visualment a un estat liminal de contemplació de l'artificialitat, el rebuig i el grotesc.

Bitebyte es presenta com una instal·lació audiovisual multipantalla que recorre un procés de degradació d'imatge. Apareixen tres tipologies d'imatge: els clips en brut, sense alterar, els clips processats per intel·ligència artificial i finalment els clips alterats per un algorisme de distorsió.

Chuches para el dolor (no solo) de muelas, Carmen Jaras.

La proposta presentada part de la investigació sobre les possibilitats matèriques del caramel com a metàfora crítica de les relacions de poder i maltractament en l'aspecte interpersonal. Es recorre a la noció de "llaminadura" com a concepte arrelat des de la infància que al·ludeix a l'educació per reforços i la demora de la gratificació. Es busca el contrast entre l'afabilitat visual -el caramel- i l'hostil del concepte que la sustenta -violència-, evidenciant aquesta paradoxa entre l'anhel de llibertat i, al seu torn, de subordinació.

Chuches para el dolor (no solo) de muelas, té com a principal objectiu el procés plàstic i la investigació, atorgant importància a la fotografia i el vídeo com a mitjà de registre d'accions que activen l'objecte. La producció suposa una mostra de resultats i processos, exposant-los a manera de laboratori de creació on el vestigi del procés creatiu, la documentació i el resultat conviuen horitzontalment.

In the name of progress, Paula Rello.

És en nom del progrés que els humans han anat transformant el món en un lloc controlat per les màquines. Un lloc on reina l'hipervigilància i la virtualització. Segons els científics, la tecnologia és l'única eina capaç de salvar al planeta del col·lapse ecosocial. Concretament, una nova tecnologia que s'està desenvolupant en el present amb passes de gegant: la computació quàntica. Es tracta d'una forma de computació extremadament potent basada en física quàntica. En els pròxims anys veurem les seues conseqüències sobre pràcticament tots els sectors, fins i tot l'art. És per aquest motiu que trobada pertinent la labor de l'artista a l'hora de documentar i comunicar els canvis que constantment observem com a societat, també avançar-se i posicionar-se abans que el sistema siga massa rígid com per a canviar-lo. La finalitat d'aquesta sèrie d'obres a manera de políptic és donar a conéixer el lloc des del qual naix la computació quàntica -això és, la mecànica quàntica i l'experiment de Schrödinger- fins a les aplicacions que aquesta tecnologia promet instaurar en diferents indústries en un futur pròxim. D'altra banda, el present projecte també posseeix un caràcter reflexiu sobre la qüestió ètica del control que exerceixen les màquines sobre els ciutadans en el nom del progrés.